Символ души в изобразительном искусстве
Обновлено: 04.07.2024
Сложно найти картину или скульптуру, в которых не было бы символов, то есть скрытых смыслов. Да, символизм — очень распространённое в искусстве явление.
Художники изображали цветок лилии рядом со Святой Марией как символ ее чистоты. Такой цветок мы как раз видим на алтарной картине XIV века «Благовещение» Симоне Мартини (см. выше).
Орел и молния — символы Зевса. И если на мифологической картине мы видим эти два объекта рядом с мужской фигурой, то точно можем сказать, кто перед нами.
Питер Пауль Рубенс. Смерть Семелы. 1640. Национальная художественная галерея Бельгии. Wikimedia Commons.
Но всегда ли тюльпан в натюрморте означает что-то ещё, помимо того, что это просто тюльпан? А паук? А орёл с лилией?
Символизм у старых мастеров и в современном искусстве
Рассмотрим один из голландских цветочных натюрмортов XVII века.
Круглый край мраморного постамента выступает из темного фона. На нем стоит широкая низкая стеклянная бутылка с букетом садовых и полевых цветов. Помимо цветов, мы видим несколько улиток, паука, бабочку и прочую живность.
Изображение почти фотографическое. При этом мастер тщательно продумал композицию. В картине преобладают округлые формы: край постамента и бутылки, цветы и улитки.
Цветовая гамма также выверена. Например, желтый цвет подсолнуха на самом верху уравновешивается россыпью охристых колосков и цветов жимолости по всему букету. Все это делает картину очень эстетичной.
Помимо живописных достоинств, картина содержит немало символов.
Жан Кальвин, протестантский реформатор, был убежден, что в повседневных вещах всегда есть скрытый смысл, а в каждом изображении должен быть моральный урок.
Это одна из причин, по которой голландские художники наполняли свои картины множеством символов. Тем самым они удовлетворяли запросы публики.
Итак, цветы символизируют бренность. Поэтому Ян де Хем изображает внизу букета частично увядшие растения. Так мастер ещё больше подчеркивает быстротечность времени.
Яркий цветок тюльпана — символ расточительности. Ведь в Голландии XVII века считалось, что выращивание тюльпанов — дело крайне хлопотное и затратное.
Но в то же время в букете мы видим полевые цветы, которые ассоциировались со скромностью и душевной чистотой. А улитка, между прочим, символ грешной души.
И здесь это можно трактовать так: грешной душе (улитке) важно в суетной жизни не забывать о благочестии и скромности. И только тогда бессмертная душа (бабочка) попадет в рай. В конце концов именно бабочка села на подсолнух — символ Творца. Значит, такая душа будет в буквальном смысле рядом с Богом.
Ян де Хем удачно сочетал эстетику и символизм, поэтому он был одним из самых популярных мастеров натюрморта в Голландии XVII века.
Но символизм присутствует и в современном искусстве.
Взглянем на «Маман» Луизы Буржуа (1999).
Перед нами огромный девятиметровый паук. Его тело похоже на стальную клетку, балансирующую на тонких и длинных ногах.
Внутри тела находится сетчатый мешок с 17 мраморными яйцами. То есть перед нами самка паука.
У многих людей скульптура вызывает напряжение и страх, потому что в западной культуре огромный паук — символ угрожающего хищника.
Но в современном искусстве отношение к символам изменилось. Ян де Хем, будучи голландцем XVII века, использовал в своих картинах общепризнанную символику. Тот же паук на его натюрморте обозначал грешную душу (как и все ползающие мелкие существа наряду с улитками и жуками).
В наше же время символ может быть индивидуальным. Луиза Буржуа воспринимала пауков как защищающих и трудолюбивых существ. По словам Буржуа, таковой была ее мать. К тому же она была реставратором античных гобеленов. Так что профессию матери легко связать со способностью пауков плести паутину.
Хотя она может вкладывать в этот образ другой смысл из-за его двойственности. Ведь паук — хищное существо, способное парализовать жертву своим ядом.
Возможно, Луиза Буржуа косвенно подразумевала, что влияние матери на ребенка огромно. Она может окружить заботой и любовью. А может нанести серьезную психологическую травму, если не полюбит своего ребенка.
Итак, и в шедеврах прошлых веков, и в современном искусстве много символов. Чтобы интерпретировать такие произведения, зрителю нужна подготовка.
В случае с творчеством де Хема зрителю важно знать общепринятую символику тех времен.
В случае со скульптурой «Маман» важно знать личное восприятие объекта художником.
Однако в истории искусства есть период, когда тех же представителей флоры и фауны начали изображать совсем с другой целью.
Когда символизм отошел на второй план
В 1840 году Уильям Тернер создал свою работу «Дождь, пар и скорость».
Перед нами большое пространство. Формы почти неразличимы. Художник не использовал линии, а создавал пространство крупными и хаотичными мазками. Слева едва видны каменный мост, группа людей на берегу, справа — пахарь в поле, а на реке — лодка с двумя пассажирами.
Самый четкий объект на картине — поезд, который по железному мосту мчится к зрителю. Мы понимаем, что он движется из-за построенной перспективы и того факта, что задняя часть поезда более расплывчата, чем передняя. Он словно врывается в передний план картины.
С момента пуска первого пассажирского поезда прошло буквально несколько лет. Для людей скорость была в новинку. И художник решил передать ощущение от такой поездки.
Он сам ездил на поезде без крыши. Все расплывалось перед глазами, его окутывал густой дым, пар и влага. То есть Тёрнер попытался передать впечатление цветом и специальным способом нанесения краски.
Здесь нет никаких символов. Доктор Стивен Цукер утверждает, что «картина посвящена самому акту рисования». То есть особое нанесение краски на плоскую поверхность полотна было для художника важнее, чем передача какого-то потаённого смысла зрителю. Сам Тёрнер писал: «Я рисую не для того, чтобы люди меня понимали. Я рисую, чтобы показать, как выглядит конкретная сцена».
Картина Тёрнера на две трети атмосферная, как утверждает все тот же Доктор Цукер. Но все же в ней нашлось место для символики.
Современники находили поздние работы Тёрнера далекими от величия. Но некоторые художники следующего поколения считали его картины новаторскими.
Клод Моне понял, что Тернер уделяет внимание не форме, а свету. Именно свет способен менять цвет и даже саму форму. Это новаторскую идею Моне уже развивал в своих работах.
Этот принцип работы особенно легко проследить в его сериях, например, в «Тополях».
Клод Моне. Три тополя. 1891. Филадельфийский художественный музей. Wikimedia Commons.
Мы видим три стройных дерева, вершины которых обрезаны рамой. Внизу вдоль всего рисунка проходит полоса прибрежной травы. Видна часть реки. На заднем плане тоже ряд тополей с дымчатыми кронами.
Художник был в лодке, когда писал эту картину. Перед нами часть мира, которую в этот момент художник увидел перед собой. Никакой символики. Это просто деревья. Просто река. Просто небо.
Моне интересовало только то, как свет образует предметы и в какой цвет окрашивает их. Это мимолетно, потому что через 10 минут солнце переместится по небу. Тогда специфический световой эффект исчезнет, сменившись совершенно другими цветами.
Поэтому художник создал несколько картин с одними и теми же тополями, чтобы запечатлеть разные световые эффекты.
Да, однозначно, что деревья здесь не содержат никакого скрытого смысла. Для Моне, как и для Тернера, это был «акт живописи как таковой» (доктор Зукер).
В заключение важно отметить, что символизм всегда играл большую роль в искусстве. Можно найти множество примеров, когда пейзажи, натюрморты, а также скульптуры наполнены всевозможными символами.
Но в то же время есть картины, в которых художник позволял себе экспериментировать только с цветом или формой, избегая всякого символизма.
Но это не значит, что такие работы проще для понимания и предназначены для беглого просмотра. Тот же Моне подталкивает нас воспринимать окружающий мир «здесь и сейчас», находя силу и даже чудо в несущественном.
Практика
Давайте пройдём небольшой тест.
1. На какой из этих картин цветы наделены символикой?
2. На какой из этих картин зеркало наделено символикой?
Если на оба вопроса Вы ответили «справа», значит Вы уже легко считываете наличие символов в произведении искусства.
Пояснения к ответам
В первом задании перед Вами были работы Пьера Огюста Ренуара и Яна Брейгеля Старшего.
У Ренуара мы видим цветы, собранные на одном поле. Они оказались в одной вазе исключительно для того, чтобы художник запечатлел их красоту.
У Яна Брейгеля Старшего (не путать с его отцом Питером Брейгелем Старшим) в букете смешаны полевые и садовые цветы. Причём они собраны в разные сезоны. Даже экзотические растения среди них есть. То есть в реальной жизни их в один букет не соберёшь (по крайней мере, это было нереально в XVII веке).
Да, это выдуманный букет. Художник писал с натуры каждый цветок по отдельности. Вместе они в одной вазе никогда не стояли. А значит, изображены для передачи конкретного послания.
Во втором задании Вы видели работы Валентина Серова и Огюста Толмуша.
Слева: Валентин Серов. Портрет актрисы Ермоловой. 1905. Третьяковская галерея, Москва. Справа: Огюст Толмуш. Тщеславие. 1890. Частная коллекция. Vinograd.su.
Уже по названию понятно, что в картине французского художника зеркало символично и обозначает тщеславие. Тем более, что дама так недвусмысленно целует своё отражение.
У Серова же зеркало нужно лишь для построения композиции. Его рама участвует в раскадровке. В одном «кадре» корпус женщины изображён, как будто мы смотрим на неё прямо. А вот голова уже показана так, как будто мы смотрим на неё снизу вверх.
Это делает образ более сложным и величественным. Еще в зеркале отражается дальний верхний угол комнаты, что делает пространство глубже.
А какие символы в искусстве знаете Вы?
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
От яблока в руке младенца Иисуса до птицы, с которой безразлично справилась кошка. Еда, напитки, предметы интерьера появляются в бесчисленных контекстах европейской живописи на протяжении многих веков и являются излюбленным методом художников для передачи скрытых смыслов.
Все эти элементы изображены практически на всех образцах изобразительного искусства разных народов мира и разных культур, что продиктовано мифологией и ассоциацией. И, впоследствии, они стали иметь свое собственное аллегорическое значение. Важно отметить, что ниже представленная азбука значений элементов картин условна и служит универсальной системой символов. Их истинная трактовка зависит от контекста и тематики картины.
Айва - с древности священный фрукт и атрибут Венеры, эмблема брака и плодородия. Согласно Плинию, срез с дерева айвы мог породить другое дерево, что добавляет еще одно значение этому плоду - бессмертие.
Ананас - символ королевской власти и богатства (эти экзотические фрукты ввозились через океаны для высшего сословия).
Артишоки - это овощ, богатый символикой. Артишоки имеют нежную сердцевину, которая защищена многочисленными слоями листьев - прекрасные характеристики, которые можно интерпретировать множеством способов! Самое распространенное значение - надежда, мир и процветание.
Белый ирис – символ чистоты.
Бутылка — символ греха пьянства.
Бумаги (ветхие) — тщета знаний.
Виллы – богато символический предмет. Трехконечное копье можно рассматривать как символ тяжелого труда и тяжелой работы. В греческой мифологии оно называется трезубцем (символ могущественного Посейдона, бога моря). В христианстве вилы стали ассоциироваться с дьяволом и злой деятельностью.
Виноград - атрибут Вакха, бога вина.
Гаснущая дымящаяся свеча (огарок) или масляная лампа, колпачок для гашения свечей — горящая свеча является символом человеческой души, её затухание символизирует уход.
Гвоздика – символ вознесения на небо.
Гнилые плоды – это символ старения.
Гранат (фрукт) - символ воскресения и вечной жизни в христианском искусстве. В средневековых представлениях гранатовое дерево, символ плодородия, связано с окончанием сезона охоты. Мифология древней Греции рассматривала этот фрукт как символ жизни и возрождения. Зерна плода или разрезанный плод - символ полноты страданий и воскресения Иисуса.
Грецкий орех , если верить Святому Августину – символ самого Христа. Согласно этой интерпретации, орех означает плоть, скорлупка – вознесение, а ядро – божественное естество Иисуса.
Дыня - исторически ассоциировалась с роскошью, богатством, творчеством. Для китайцев значение дыни иное - это символ единства семьи.
Запутанный моток пряжи – паутина, в которую попал герой картины, его бедственное положение.
Заяц – означал бдительность.
Звезда – знак духовного откровения.
Зерновые культуры (кукуруза и пшеница) - метафоры добродетели и порока.
Зрелые плоды символизируют плодородие и изобилие (дополняют тему vanitas).
Инжир - плод которого имеет очень много семян — символ изобилия. Натюрморты XVI–XVIII веков пользовались такой популярностью у частных заказчиков именно по причине демонстрации изобилия и роскоши владельца. Показать свой статус и свое положение в обществе – очень популярный тренд в эти годы.
Ирис – это атрибут мужества, доблести, достоинства.
Капуста - является символом обыденности, иногда грязного и откровенно отвратительного. Капуста была фаворитным плодом у ведущего художника-абстракциониста Жана Элиона, который высоко оценил ее обыденность.
Кентавр — символ низменных страстей, в религиозных композициях — символ ереси.
Колокол – предупреждение
Кошка, играющая с птицей – символизирует бедственное положение героя, неудачу.
Кошка, нападающая на мышь - предостерегает от опасностей романтических связей.
Курительная трубка — символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений.
Луч света – искупление, озарение, надежда.
Лютня – это архаичный инструмент, прославленный в начале XVI века. Потрескавшаяся лютня была метафорой любви, которая терпит неудачу (отсылка на поэму «Королевские идиллии» Теннисона: «Это маленькая трещина в лютне вскоре остановит музыку»).
Младенец — символ человеческой души.
Ноты — краткость и эфемерная природа жизни
Оливковая ветвь — символ мира.
Опавшие лепестки - означали эфемерность молодости и красоты.
Палитра с кистями, лавровый венок — символы живописи и поэзии.
Перчатка (одна) - предупреждение о том, что можно оказаться в одиночестве, быть брошенным.
Подсвечник – символ спасения и света. Семирожковый подсвечник, часто называемый "менора", используется христианами для представления Святого Духа и семи его даров: мудрости, разума, проницательности, твердости, знания, набожности и страха.
Подсолнух – любовь Бога, а иногда и земную любовь.
Посох – напоминает, что Иисус – пастырь. А также о пастухах, которые пришли поклониться младенцу Иисусу.
Птичье гнездышко является отсылкой к библейскому тексту: «И птичка находит себе жильё, и ласточка гнездо себе, где положить птенцов своих».
Радуга (встреча Неба с Землей) — символ примирения Бога с людьми, прощения людских грехов.
Распятие Христа – ясный символ того, что вера в Иисуса Христа помогает нам избежать смерти и обрести вечное спасение.
Рыбная ловля — обращение в свою веру (в христианских мотивах).
Свет — символ духовного прозрения, божественной благодати.
Стрекоза - в Средние века стрекоз относили к обычным мухам, и их изображение несло негативное значение – они олицетворяли дьявольское начало.
Символы страдания Христа – страница из Писания, омытые гвозди и терновый венец в тазу с водой.
Синий (цвет неба) — символ всего духовного, форма круга, напоминающая солнце и луну — символ божественного.
Скрипка – порок удовольствия или исчезающая музыка.
Сова — ночная птица, поэтому одно из её символических значений — сон, смерть.
Ткачество символизирует создание мира, вселенной, определение судеб всего сущего
Цветок нарцисса — символ смерти.
Цветы–ноготки – горе.
Часы (закрытые чем–либо) – говорит о безвозвратно и бесполезно просочившемся времени
Черви — это символы разложения и уничтожения.
Число 7 — символ совершенства и завершённости (семь дней в каждой фазе луны, семь цветов радуги, семь нот, семь дней недели, семь добродетелей, семь смертных грехов, семь таинств).
Щегол символизирует страсть, а также человеческую душу.
Великая способность изобразительного искусства показывать невидимое глазу – это в первую очередь об аллегориях. Как написать на холсте власть? Бег времени? Справедливость? Безысходность? Как отобразить мировоззрение художника, не используя слов, а прибегая лишь к тем возможностям, что дают кисти и краски? Аллегории обычно обращены к зрителям, владеющим определенным уровнем знаний либо готовым эти знания получить, ведь многие иносказания основаны на элементах мифологии, философии, истории искусства и истории человечества. Для людей сведущих смысл старинных холстов раскрывается по-новому, и становится понятнее феномен бессмертия искусства и его востребованности в любую эпоху и в любых исторических условиях.
Аллегории – почему и как они возникают
Живопись в силах воплотить любой образ, в том числе и все, что могут выразить слова – такой подход существовал уже во времена Возрождения. В случае, когда от художника требуется запечатлеть чье-то лицо, или композицию из нескольких предметов на столе, или природное явление, все более-менее понятно: на холст переносится то, что видит глаз, – с неминуемым субъективным искажением увиденного, просто потому, что автор - человек.
Однако же иногда мастерам приходится выполнять другие запросы – от заказчиков ли, а может, и от себя самих – написать нечто абстрактное, создать художественный образ какой-либо идеи, философского понятия, того, что существует, но по своей природе нематериально. Постмодернисты решили эту задачу, отпустив на волю и фантазию, и художественные средства самовыражения, объявляя художника полностью свободным в его деятельности. А вот мастера прошлых эпох в искусстве оставались верны и себе, и существовавшим в их времена традициям.
Растения, животные, люди, предметы – это те инструменты, с помощью которых аллегория воплощалась на холсте, и если художник достигал своей цели, то впечатление зрителя от картины соответствовало тому, что вкладывал в нее мастер. Либо же – и довольно часто – шедевра не получалось, а картина становилась одной из неудачных аллегорий.
Первоначально аллегория зарождалась там, где говорить напрямую о явлении было нельзя или даже опасно, и в первую очередь она воплощалась в литературе. Множеством аллегорий наполнено искусство Древнего Востока. В Египте прибегали к изображению богов с человеческими телами и головами разных животных – так аллегорически показывали смерть, или власть, или вечность.
Благодаря Аристотелю появился термин «троп» и вообще философское описание переноса значения одного предмета на другой; это стало основой в том числе и дальнейшего развития изобразительного искусства.
Голубь, собака и другие примеры аллегорий
Если итальянский Ренессанс лишь прокладывал дорогу аллегориям в живописи, то в эпоху барокко без этого художественного приема уже практически не обходилось: главным поставщиком образов для картин становились античные и христианские мифы, а порой – и их смешение. Свою роль сыграло и то, что аллегории, метафоры, иносказания в изобразительном искусстве любили многие из меценатов и заказчиков, да и сами художники охотно использовали возможности такого подхода для отражения собственных философских и жизненных воззрений, материализации своих страхов, надежд и устремлений.
Любой жанр живописи способен вместить аллегорическое послание мастера – в том числе и натюрморт, и портрет, и пейзаж. Часто можно встретить традиционные, привычные образы, в которых художники зашифровывали абстрактные понятия: например, собака символизировала верность, голубь воплощал образ Святого Духа, женщина с весами и с повязкой на глазах – справедливость или правосудие, корабль, идущий по морю – чей-либо жизненный путь.
«Аллегория живописи» Яна Вермеера стала любимейшей картиной художника: с ней он не расставался до самой смерти, несмотря на проблемы с деньгами. Это произведение украшало мастерскую и отражало то, что Вермеер считал сущностью своего рода деятельности. Книжный том символизирует теоретические знания об искусстве, маска, возможно, намекает на подражание великим учителям, а модель, чью фигуру скрывают античные драпировки, олицетворяет собой славу художника.
Аллегории на картинах других великих художников
К аллегориям можно относить не только полотна, напрямую сообщающие зрителю о своей сущности – как «Аллегория добродетелей» и «Аллегория пороков» Корреджо. Когда в 1622 году французская королева Мария Медичи, мать Людовика XIII, заказала Рубенсу цикл больших картин, который рассказывал бы о главных эпизодах ее жизни, именно к аллегорическим образам и прибегнул великий нидерландский живописец. Королева предстает перед зрителем в образе античной богини, окруженная персонажами из греческой мифологии, в руке у нее символ правосудия, у ног – поверженные пороки. Каждое из полотен этой серии несет определенное настроение и смысл, передаваемое с помощью аллегорических приемов.
Сандро Боттичелли выразил идею силы в образе девушки, черты лица которой напоминают его же ранних мадонн – но в этом случае ее облик отличается большей жесткостью и упрямством.
Мастером аллегории был Питер Брейгель Старший, в числе его работ – цикл гравюр, которые иллюстрируют семь смертных грехов. Лень показана через изображения улиток, спящих людей, медленно ползающих животных, игральные кости, которыми заняты те, кто просиживает в таверне – и еще множество символов, далеко не все из которых имеют общепризнанное толкование.
Как правило, аллегоричность образа и натуралистичность исключают друг друга, при использовании метафор в живописи художник часто прибегает к идеализации в ущерб портретному сходству. Но вот автопортрет Никола Пуссена, в котором аллегорически показана способность живописца проникать в суть вещей – ее символизирует изображенное слева лицо женщины – музы – в профиль, как бы демонстрируя «третий глаз». Руки, протянутые к женщине в стремлении обнять, символизируют любовь художника к искусству, а все вместе передает то, как ощущал себя Пуссен в деле своей жизни.
А вот «Натюрморт с шахматной доской» Любена Божена сочетает образы предметов, которые вместе являются аллегорией пяти человеческих чувств. Ноты и музыкальные инструменты символизируют слух, зеркало – зрение, шахматная доска, карты, кошелек – осязание, цветы – обоняние, хлеб и вино – вкус.
Натюрморт относится к произведению искусства, которое изображает группу неодушевлённых, обычно банальных предметов. Традиционно натюрморты также полны скрытой символики—изобразительного языка, который использует обычный объект для передачи более глубокого смысла. Самыми известными примерами натюрмортов являются безукоризненно детализированные и богато символические картины голландского Золотого века. Но тем не менее независимо от периода, натюрморты до сих пор остаются одним из самых популярных жанров в XXI веке, которые привлекают внимание как зрителя, так и критиков. Итак, рассмотрим некоторые предметы, которые обычно встречаются в натюрмортах на протяжении всей истории, и то, что они символизируют.
1. Фрукты
Фрукты - одни из самых распространённых предметов в натюрмортах на протяжении веков. Корзина с фруктами предлагает художнику не только разнообразные цвета и фактуры, но и разнообразные религиозные и мифические символы. Например, в христианстве яблоки означают искушение и знание по отношению к ветхозаветному рассказу о Еве, вкушающей запретный плод в Эдемском саду. Виноград символизирует темы наслаждения и похоти, связанные с Вакхом, римским богом вина. Гранаты ассоциируются с Персефоной, греческой богиней весны и царицей подземного мира.
Натюрморт итальянского художника эпохи барокко Караваджо изображает обычную корзину с фруктами, которая драматически выдвинута на передний план композиции с предельным реализмом. При ближайшем рассмотрении обнаруживается, что некоторые плоды гниют и поедаются червями, что может тонко раскрыть чувства художника по поводу продолжающейся протестантской реформации и католической контрреформации в Италии.
2. Memento Mori
Натюрморты vanitas, прославленные голландскими и фламандскими художниками XVI-XVII веков, выражают скоротечность жизни и тщетность материализма. Эта традиция также служила оправданием для рисования красивых и дорогих предметов вместо более откровенных нравоучительных сюжетов. Одним из наиболее тяжёлых символов, появляющихся в натюрмортах vanitas — это череп, который является ярким напоминанием о неизбежности смерти. Такой символ называется Memento Mori.
Ранний современный художник Поль Сезанн был известен тем, что экспериментировал с формой, цветом и перспективой в своих натюрмортах. Он начал включать черепа в свои композиции в течение последнего десятилетия своей жизни, возможно, указывая на растущее осознание своей собственной смертности.
3. Свечи
Ещё один общий компонент натюрмортов vanitas – свечи, которые символизируют неизбежность течения времени. Чем дольше они горят, тем меньше их становится, пока ничего не остаётся. Зажжённая свеча символизирует свет, истину и знание. Потухшая свеча символизирует потерю и смерть. В христианстве ярко горящая свеча указывает на веру в Бога или свет Христа. Масляные лампы или другие узнаваемые источники света иногда используются в натюрмортах, чтобы передать те же самые значения.
Постимпрессионистский натюрморт Винсента ван Гога с Библией проще и мрачнее его более известных работ. Ван Гог написал его незадолго до смерти своего отца, который был протестантским священником. На картине изображены потухшая свеча, библия, принадлежавшая его отцу, и современная светская книга. Рядом с двумя соседними книгами свеча может намекать на то, что художник пытался и не смог стать священником, как его отец, или она может относиться к надвигающейся смерти его отца.
4. Цветы
Прекрасный букет цветов в полном цвету может означать жизнь, веру, рост и силу. Увядающие цветы, с другой стороны, служат мрачным напоминанием о том, что жизнь, материальные блага и красота хрупки. Конкретные цветы также имеют более конкретные значения. Например, ядовитый паслён символизирует опасность или обман, маргаритки символизируют невинность, маки символизируют сон или смерть, а красная роза символизирует любовь и обольщение. В контексте христианства красная роза символизирует искупительную кровь, пролитую Иисусом Христом, в то время как белая лилия ассоциируется с чистотой и непорочным зачатием Девы Марии.
Рашель Рюйш была художницей натюрморта голландского Золотого века, получившей мировую известность благодаря своим тщательно продуманным и микроскопически детализированным натюрмортам с цветами. Она нарочно рисовала комбинации цветов, которые, в действительности, не могли все цвести в одно и то же время года. Это происходит потому, что каждый букет Рашель был тщательно разработан, чтобы раскрыть широту знаний, будь то передаваемые в конкретных типах цветов или их состоянии цветения.
5. Ракушки
Помимо того, что ракушки ассоциируются с женственностью, они могут символизировать рождение и удачу. В христианстве ракушки также символизируют крещение и воскресение. Раковины морских гребешков особенно ассоциируются со Святым Иаковом, одним из двенадцати апостолов Иисуса Христа, и концепцией паломничества. Устрицы были особенно популярны в натюрмортах голландского Золотого века и в то время не считались роскошной пищей. Как и другие раковины, они символизируют рождение и плодородие. Жемчуг является символом чистоты и совершенства. Спрятанная между раковинами устрицы, жемчужина представляет собой скрытое знание и осознание.
Натюрморт Клары Питерс с устрицами и ракушками на переднем плане - одна из многих существующих композиций семнадцатого века для банкетов. Зрители таких картин могли одновременно радоваться изысканности застолья и размышлять над нравственными или религиозными посланиями, которые символизирует каждый пункт меню.
6. Зеркала
В древности считалось, что душа человека содержится в его отражении. Зеркала были включены в различные картины на протяжении всей истории. Они могут представлять либо истину и самоуверенность, либо тщеславие и искажение - разница зависит от того, кто смотрит на их отражение. Разбитое зеркало повсеместно считается дурным предзнаменованием. Для талантливого художника стеклянные предметы и поверхности представляли собой возможность искусно передать сложные визуальные эффекты прозрачности и отражения. Кроме того, поскольку зеркала когда-то были непомерно дорогими для большинства людей, покровители натюрмортов, возможно, хотели показать своё богатство.
Натюрморт Роя Лихтенштейна с зеркалом исследует многовековую традицию через призму поп-арта конца девятнадцатого века. Предметы натюрморта Лихтенштейна, в том числе зеркало и корзина с фруктами, являются традиционными символами, которые зрителям предлагается рассматривать в современном контексте явлений массовой информации и поп-культуры.
7. Насекомые
Насекомые часто интегрируются в натюрморты с цветами и едой, в том числе в картины ванитас. Как группа, насекомые символизируют жадность или разложение, но определённые типы насекомых имеют свои собственные ассоциации. Бабочки символизируют преображение, а в христианстве — воскресение. Стрекозы — это некая противоположность бабочки, символизирующая мирскую жизнь и смерть и часто изображаемая охотящейся на более мелких насекомых. В эпоху раннего Возрождения улитки ассоциировались с непорочным зачатием Девы Марии, поскольку считалось, что улитки размножаются бесполым путём.
В этом голландском натюрморте Золотого века Бальтазара ван дер Аста множество крошечных насекомых появляется по всей композиции. Хотя их включение и размещение может показаться случайностью, на самом деле это очень преднамеренно. Каждое насекомое обращает внимание на надвигающееся гниение плодов и цветов, которое из-за инвазии уже идёт полным ходом. Неизбежность разложения и смерти ещё больше подчёркивается опрокинутой корзиной и зловеще парящей над сценой стрекозой.
8. Музыкальные инструменты
Музыкальные инструменты считались предметами роскоши на протяжении многих веков. Хотя они часто включались в натюрморты, чтобы показать богатство таланта покровителя, музыкальные инструменты также могли нести более глубокий смысл. В общем, музыка представляет собой досуг или праздник. В натюрморте vanitas скрипка может напоминать зрителям о нитях времени и о том, что всё прекрасное должно когда-нибудь кончиться. Оборванные или отсутствующие скрипичные струны могут указывать на разлад или смерть. Флейты издавна ассоциировались с опьянением Вакха, а также с грехами похоти и лени. Изогнутые формы многих инструментов, таких как гитара, параллельны органичным и соблазнительным формам человеческого тела.
Кубистическая мандолина и гитара Пабло Пикассо смело игнорируют большинство условностей натюрморта и его традиционной иконографии. Тем не менее, все же стоит рассмотреть символику струнных инструментов Пикассо — они могут представлять шум современной жизни или быстротечность стремительно развивающегося мира искусства двадцатого века.
9. Мёртвые животные
Картины мёртвых животных стали очень популярным поджанром натюрморта в семнадцатом веке - факт, который часто ставит в тупик зрителей в двадцать первом веке. Во время голландского Золотого века охота для спорта стала менее эксклюзивной для богатых, а международная торговля стала более обильной. В результате натюрморты с очень детализированными охотничьими трофеями и тушами экзотических животных пользовались очень высоким спросом и вписывались в другие итерации традиции vanitas. Когда мёртвые животные изображались рядом с другими продуктами питания, они также могли представлять кулинарные блюда определённого региона или покровителя.
В этом испанском бодегоне начала семнадцатого века Хуан Санчес Котан использует мёртвую дичь, чтобы продемонстрировать противоречивые склонности человечества к мрачному и прекрасному. Такие картины могут также представлять удовольствие и удовлетворение от охоты, очарование добывания товаров или хрупкие отношения между людьми и природой.
10. Серебро и золото
Включение драгоценных металлов в натюрморты может продемонстрировать мастерство художника в точном изображении отражающих текстур или коллекции дорогих предметов мецената. В натюрморте vanitas золотые и серебряные украшения могут усилить напряжение между материализмом и моралью. В религиозных контекстах золото может указывать на то, что что-то является драгоценным, священным или долговечным. Подобно зеркалу, серебро может отражать душу человека по позитивным или негативным причинам. Золотые и серебряные предметы в натюрмортах также могут иметь националистическое значение, либо представляя особенности родины человека, либо демонстрируя его культурный опыт в международной торговле и путешествиях.
Натюрморт эпохи позднего барокко с серебром работы Александра-Франсуа Депорта представляет собой богато детализированную композицию предметов роскоши, принадлежавших владельцу картины. Депорту часто поручали королевские особы и элиты писать декоративные натюрморты своих обширных коллекций предметов, подчёркивая богатство покровителей и явно французский вкус.
Читайте также: