Художники готика список

Обновлено: 04.07.2024

Готика — период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм, орнамент и т. д.

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

К зданиям и произведениям искусства, содержащим в себе характерные готические элементы, но созданным в период эклектики (середина XIX века) и позднее, применяется термин «неоготика».

Слово происходит от итал. gotico — непривычный, варварский — (Goten — варвары; к историческим готам этот стиль отношения не имеет), и сначала использовалось в качестве бранного. Впервые понятие в современном смысле применил Джорджо Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от Средневековья. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения (Ренессанса) искусство Средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению.

Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Переход от романской живописи к готической вовсе не был гладким и незаметным. "Прозрачная" структура готического собора, в которой плоскость стены уступала место ажурным орнаментам и огромным окнам, исключила возможность обильного живописного декора. Зарождение готического собора совпало с периодом наивысшего расцвета романской живописи, в особенности фресковой. Но вскоре господствующую роль в отделке храмовых зданий стали играть другие виды изобразительного искусства, и живопись была оттеснена на вторые роли.

Замена в готических соборах глухих стен огромными окнами привела к почти повсеместному исчезновению монументальных росписей, игравших столь крупную роль в романском искусстве XI и XII вв. Фреску заменил витраж — своеобразный вид живописи, в котором изображение составляется из кусков цветных расписанных стекол, соединенных между собой узкими свинцовыми полосами и охваченных железной арматурой. Возникли витражи, по-видимому, в каролингскую эпоху, но полное развитие и распространение они получили лишь при переходе от романского к готическому искусству.

Витражи Кентерберийского собора.

Огромные поверхности окон заполняли витражные композиции, которые воспроизводили традиционные религиозные сюжеты, исторические события, сцены труда, литературные сюжеты. Каждое окно состояло из серии фигурных композиций, заключенных в медальоны. Техника витража, позволяющая сочетать цветовое и световое начала живописи, сообщала этим композициям особую эмоциональность. Алые, желтые, зеленые, голубые стекла, вырезанные соответственно контуру рисунка, горели как драгоценные самоцветы, преображая весь интерьер храма. Готическое цветовое стекло создало новые эстетические ценности — дало краске наивысшую звучность чистого цвета. Создавая атмосферу окрашенной воздушной среды, витраж воспринимался как источник света. Витражи, помещенные в оконных проемах, наполняли внутреннее пространство собора светом, окрашенным в мягкие и звучные цвета, что создавало необычайный художественный эффект. Украшающие алтарь и алтарные обходы живописные композиции поздней готики, выполненные в технике темперы, или цветные рельефы также отличались яркостью красок.

В середине XIII в. в красочную гамму вводят сложные цвета, которые образуются путем дублирования стекол (Сент Шапель, 1250). Контуры рисунка по стеклу наносились коричневой эмалевой краской, формы носили плоскостной характер.

Готический стиль в книжной миниатюре

Высокого расцвета достигает во Франции XIII-XIV вв. искусство книжной миниатюры, в которой проявляется светское начало.

В готической рукописи изменился вид страницы. В иллюстрации, звучные по чистым краскам, включаются реалистические детали, наряду с растительной орнаментикой — религиозные и бытовые сцены. Употребление остроугольного письма, полностью сформировавшегося к концу XII века, придало тексту вид ажурного узора, в который были вкраплены различные по виду и величине инициалы. Лист готической рукописи с рассыпаннымим сюжетными инициалами и малыми буквицами, имевшими орнаментальные ответвления в виде усиков, производил впечатление филиграни со вставками из драгоценных камней и эмалей.

Апрель. Иллюстрация братьев Лимбургов к часослову герцога Беррийского.

В рукописях второй половины XIII века характерной чертой стал бордюр, обрамлявший поле листа. На завитках орнамента, вынесенного на поля, а также на горизонтальных линиях обрамления художники помещали небольшие фигурки и сцены назидательного, комического или жанрового характера. Они не всегда были связаны с содержанием рукописи, возникали как порождение фантазии миниатюриста и получили название "дролери" - забавы. Свободные от условностей иконографического канона, эти фигурки начали стремительно двигаться и оживлённо жестикулировать. Щедрой фантазией отличаются дролери в рукописях, дан оформлением которых работал парижский мастер Жан Пюссель (вт. чтв. XIV века). Прозведения художника выдают разумную ясность и тонкий вкус столичной школы.

В позднеготической книжной миниатюре с особенной непосредственностью выразились реалистические тенденции, были достигнуты первые успехи в изображении пейзажа и бытовых сцен. В миниатюрах «Богатейшего часослова герцога Беррийского» (ок. 1411-16), который оформляли братья Лимбурги, поэтично и достоверно изображены сцены светской жизни, крестьянского труда, пейзажи, предвосхитившие искусство Северного Возрождения.

Готическое искусство — важное звено в общем процессе культуры; произведения готики, полные одухотворенности, величия, обладают неповторимым эстетическим обаянием. Реалистические завоевания готики подготовляют переход к искусству эпохи Возрождения.

Готика пришла на смену романскому стилю. Готический стиль зародился в середине XII века на севере Франции, в XIII веке распространился на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании и Англии, а в конце XIV века пришел в Италию. Дольше всего - до XVI века – готика была характерна для искусства Восточной Европы. Термин « готический », прежде всего, соотносится с архитектурой; основной тип готического здания - собор. Типичные элементы – заостренная арка, воздушные контрфорсы, большая высота сооружения и украшения в виде виражей. Готика нашла свое отражение и в живописи.

Главные черты готики : серьезность, суровость, помпезность, величественность, одухотворенность.

Типичные персонажи и темы произведений : религиозные мотивы, Страшный суд, грехи, рыцари, грациозные дамы, государственные деятели на пороге принятия важных решений, изображенные в официальных строгих позах.

Цвета - барочные, с преобладанием благородных оттенков бордового, зеленого, золотого, густых и сочных тонов. Формы – заостренные и несколько угловатые.

Интернациональная готика («мягкий стиль», «придворная готика») – подвид классической готики, переходный период к Ренессансу; развивался в Бугундии, Богемии и Северной Италии в 1380—1430 г.г.

Картины в стиле придворной готики - нечто среднее между обычной картиной и средневековой иконой. Работы более яркие и менее тревожные, они уже могут просто украшать пространство. Наряды у персонажей пышные, как и интерьеры вокруг.

Произведения, созданные в готическом стиле позже XVI века, считаются неоготикой.

Витраж — важное направление готической живописи. Витражи украшали соборы и иногда – дворцы богатых людей, вытеснив на время фрески, которые опять вошли в моду в эпоху Ренессанса.

Готическое письмо — набор почерков эпохи средневековья. Буквы выписывались с особыми строгими завитками. Позже появились печатные готические шрифты. Ими набрана знаменитая Библия Гутенберга.

Знаковые картины в готическом стиле :
Мастер Теодорих. Живописное оформление капеллы Св. Креста в замке Карлштейн, возле Праги (примерно 1357 год)
Петрус Кристус. Портрет молодой дамы . Ок. 1450 г.
Портрет английского короля Эдуарда I Плантагенета (неизвестный автор, предположительно XIII век).

Витражи в стиле готика : витраж в соборе Шартра «Богоматерь с младенцем», витражи Реймского собора.

Готика в архитектуре : Кельнский собор, Дворец дожей в Венеции, собор Санта-Мария-дель-Мар в Барселоне, Латинский собор во Львове.

« Американская готика» — одна из самых узнаваемых и самых цитируемых картин в истории живописи ( по крайней мере , современной уж точно). Однако найдется не слишком много людей за пределами Америки , которые смогут сходу вспомнить имя ее автора. Между тем в США Грант Вуд по сей день остается одним из самых любимых и почитаемых художников. И уважают его не только за «Американскую готику».

Расцвет популярности Гранта Вуда пришелся на годы Великой Депрессии , и начался он именно с «Американской готики». После того , как работа была представлена публике , художник буквально « проснулся знаменитым». Однако другие его известные работы пропитаны совсем иным настроением. Буколические пейзажи , идеализированные ностальгические изображения « славного американского прошлого» стали для переживающих экономический кризис американцев своего рода спасением , долгожданным способом ненадолго отвлечься от суровой действительности.

До 1930 года , когда была написана « Американская готика», Вуд был малоизвестным художником из Айовы , который писал не особенно уже актуальные импрессионистские пейзажи , вдохновленные французскими мастерами. Выставка « Грант Вуд: „Американская готика“ и другие истории» в Музее Уитни охватывает все периоды творчества художника: здесь собраны и его ранние декоративные работы , и написанные маслом картины в стиле импрессионизма и пост-импрессионизма , знаменитые зрелые полотна , фрески , работы на бумаге и книжные иллюстрации. Это не только первая музейная ретроспектива Вуда в Нью-Йорке с 1983 года , но и всего лишь третья за пределами Среднего Запада с 1935 года.

Организатор выставки , куратор Музея Уитни Барбара Хаскелл отмечает : «Непреходящая сила искусства Гранта Вуда заключается не только в завораживающей психологической двусмысленности , но и в архетипических образах Среднего Запада. Зловещая тишина и тревога проходит сквозь все его работы , усложняя эти кажущиеся буколическими изображения. Несмотря на желание Вуда ухватить и воплотить воображаемый мир его детства , в его картины просачивается чувство отчуждения и изоляции , вызванное неспособностью застенчивого , сексуально закрытого уроженца Среднего Запада ужиться в этом мире».

Каким же на самом деле был Грант Вуд? Таким ли простым « художником-фермером» в джинсовом комбинезоне , образ которого он старательно поддерживал на протяжении долгих лет? Сведений о личной жизни Вуда сохранилось очень мало , но мы попробуем разобраться.

Грант Вуд верил , что человек формируется психологически в течение первых 12 лет жизни , и все , что он переживает позже , связано с этими детскими годами. Он часто говорил , что воспоминания о ранних годах , проведенных на семейной ферме в Айове , для него «яснее , чем все , что было после» . Неудивительно , что его работы , написанные в зрелые годы , изображают не фермерскую жизнь на Среднем Западе 1930-х годов , а идеализированные воспоминания о 1890-х.

Хотя , с другой стороны , это довольно странно , потому что как раз в детстве живопись , как и любое другое искусство , было для Гранта под запретом. Табу на «выдумки» наложил отец-фермер , суровый и бескомпромиссный человек , убежденный квакер. Правила Мервила Вуда были настолько строгими , что однажды маленькому Гранту пришлось пройти пешком пять миль до соседней фермы , чтобы вернуть однокласснику книгу сказок братьев Гримм. В неоконченной автобиографической книге Вуд писал: «Отец для меня был скорее Богом , чем отцом».

Но тягу к рисованию не мог отбить у Вуда даже строгий отец. Поначалу Грант пытался рисовать в полутемном подвале , а затем сообщницей мальчика стала его мать. Хэтти подтягивала один край скатерти на кухонном столе так , чтобы он спускался до самого пола , и за этим импровизированным занавесом Грант мог рисовать , не попадаясь на глаза отцу. Мать была очень важным человеком в жизни Гранта Вуда и его близким другом. Когда мальчику было 10 лет , Мервил внезапно умер , и Хэтти почти сразу же продала ферму и переехала вместе с детьми в Сидар-Рапидс. Грант всю жизнь был болезненно застенчивым , замкнутым и нелюдимым. В новой школе он не завел друзей , одноклассники над ним смеялись , и единственными близкими людьми для него по-прежнему оставались мать и сестра. Все трое жили в одной комнате и много времени проводили вместе. Вуда и его мать порой принимали за семейную пару. А за несколько лет до смерти художник даже женился на женщине , очень похожей на Хэтти.

Особое место в жизни и творчестве Гранта Вуда занимала его сестра Нэн. Именно она позировала художнику для « Американской готики» и очень обижалась , когда женщину и мужчину , изображенных на картине , принимали за супругов , настаивая на том , что это отец и дочь. Нэн была так расстроена тем , что некоторые возмущенные зрители смеялись над ее героиней , называя ее «недостающим звеном», что в 1933 году Вуд создал другой ее портрет , гораздо более лестный. Мужчину с вилами художник писал со своего дантиста , человека робкого и интеллигентного. Но в интерпретации Вуда он стал суровым и пугающим , точь-в-точь как отец художника. К слову , круглые очки мужчины — точная копия единственного предмета , оставшегося Гранту Вуду от Мервила.

В начале своей карьеры Грант Вуд , как и многие американские художники , был уверен , что настоящее искусство можно найти только в Европе. С 1920 по 1928 год он совершил несколько поездок за океан , где проникся творчеством импрессионистов и успел год проучиться в парижской Академии Жюлиана. Окончательно вернувшись на родину , Вуд начал вполне успешно продавать свои работы и выполнять заказы , однако был популярен лишь в пределах Сидар-Рапидс. Вскоре художник пришел к мысли , что американское искусство должно идти своим путем , не копируя и не следуя за европейским. Он был уверен , что американские художники в своих работах должны опираться на богатую местную культуру и особый характер родных мест. Для Вуда это , само собой , была Айова , чьи холмистые пейзажи часто служили фоном для первых его зрелых портретов. Он считал , что искусство должно быть вневременным , поэтому изображал скорее типажи , чем личностей. Его герои были понятными и узнаваемыми , но при этом неуловимо загадочными , что и делало картины Вуда такими притягательными.

Резкий , отточенный стиль Гранта Вуда и его ностальгические сюжеты сделали его одним из самых почитаемых художников Америки в 1930-х годах , у него появилось множество последователей и подражателей по всей стране. Однако вскоре художник озаботился судьбой демократии. Вуд опасался , что Америка может оказаться уязвимой перед возможной агрессией фашизма , набиравшего силу в Европе , и решил с помощью своих работ повысить национальную гордость своих сограждан.

Для этой цели Вуд планировал написать серию работ , основанных на американских сказках и знаменитых легендах , делая упор на их вымышленность , чтобы избежать шовинизма. Первой такой картиной стала « Байка Парсона Уимса», рассказывающая историю о юном Джордже Вашингтоне ( с узнаваемым взрослым лицом) и вишневом дереве. Позже Вуд вновь сосредоточился на идиллических изображениях « простых , ежедневных вещей , которые очень важны в жизни обычного человека».

Средневековье – время крестовых походов, доминирования религии над светской жизнью, переломный период в развитии европейских стран. На фоне политических и военных преобразований сформировался узнаваемый, яркий стиль – готика, оказавший влияние на развитие живописи, архитектуры, музыки, скульптуры.

Зарождение и развитие стиля

Готическая живопись отличается специфической композицией, обилием цветов и оттенков, динамичностью изображения, напряженностью сюжета. В рамках изучения творений живописцев стоит рассмотреть книжную миниатюру, как репрезентативное направлении в искусстве.

Родиной стиля является Франция, где в XII веке. Оттуда готика распространилась в Германию, Испанию, Англию, Австрию. В следующем столетии готические влияния стали заметны в Италии, где сформировалось местное самобытное ответвление стиля. В период раннего нового времени стиль оформился в интернациональный формат. Дольше всего влияния готики были заметны в странах Восточной Европы.
Готика в живописи в Средние века появилась в искусстве создавать витражи.

Особенности стиля на раннем этапе развития

Готика сменила романский стиль – сложно не заметить принципиальные различия этих направлений искусства. В искусстве готика ассоциируется с величием, грандиозностью, особой декоративностью.
Особенность готической живописи – наличие значительного разнообразия в региональном развитии стиля. Определить единую «формулу», по которой можно дать четкую характеристику направлению искусства, невозможно. В результате исследований многих искусствоведов, готическому стилю на всей территории распространения свойственны такие черты:

Особое построение композиции, иллюзия материальности изображения, созданная мастерами средневековья.
На полотне преимущественно соседствуют различные группы лиц – их взаимодействие декоративно, лишено естественности.
Готика не полностью отошла от романского влияния передавать через личность изображенного человека определенный скрытый символический смысл.
Изображения на картинах не выглядят целостными, композиция расчлененная, каждый элемент необходимо рассматривать отдельно.
Картины передают реальность через метафоры.
Экспрессия, передаваемая через оттенки и динамику сюжета.
Схематичность отображения действия.
Религиозность, доминирование библейских и мистических сюжетов.

Наиболее ярким жанром считается портрет.

Развитие искусства книжной миниатюры

Оформление книг в Средние века трудно не узнать. Книжная миниатюра достигла высокого уровня развития, отображая религиозные, светские сюжеты при помощи ярких красок в узнаваемом, готическом стиле:

В миниатюрах отображалась взаимосвязь реального и мистического, переплетение светского и религиозного.
Иллюстрации характеризуются многоплановостью, плоской передачей динамического сюжета.
Особое внимание уделяют деталям: узорам, иллюстрации бытовых сцен, эмоциональности передачи атмосферы изображения, птицам, бабочкам, зверям.
Техника исполнения миниатюр позволяет передать движение – сцены, отображенные в книге, не статичны.
Для исполнения миниатюры художники выбирали яркие краски.

Миниатюра зародилась во Франции в XIII веке, наиболее известным творцом был Жан Пюссель. Благодаря развитию миниатюры в искусстве, сформировалась узнаваемая парижская школа миниатюры.

В период развитого Средневековья стало принято украшать миниатюрами не только художественные и религиозные книги, но и научные трактаты, хроники. Узоры стали более филигранные, ажурные, угловатые. Миниатюра стала более осмысленной, точнее передавала суть события, которое отображено художником.
Примером наиболее удачной передачи суть явлений и событий при помощи миниатюры является «Большая французская хроника».

Интернациональная готика

На последних этапах развития стиля в период развитого средневековья появилось интернациональное направление. Родина – Богемия, Северная Италия, Бургундия. Именно с этим направлением связывают искусство периода «заката Средних веков» или «осени Средневековья».

Отличительными чертами являлась декоративность, пышность, обилие насыщенных красок. Это наиболее вычурная готика, характеризующаяся экзальтированностью, утонченностью, особой экспрессией.

Термин «интернациональная готика» предложили только в конце XIX века искусствоведы Юлиус Шлоссер и Луи Куражо. А использовать его для обозначения поздней готики начали только во второй половине XX века. До этого времени направление называли «поздней готикой», «придворной готикой», «особенной готикой», если речь идет о живописи Германии, «мягкий стиль», «космополитическое искусство». С XX века «поздней» начали называть полотна, созданные до 1430 года, остальные перешли в разряд «интернациональной».

Узнать картины в этом направлении просто:

Отсутствие изображения фона и пренебрежение пространством. Фон, преимущественно, золотой;
Графичность изображения;
Гротескность;
Плоское изображение, лишенное перспективы;
Отсутствие дополнительных предметов, которые обычно сопровождают изображенных людей;
Внимание облачению людей;
Эмоциональность в изображении лиц.

Развивался стиль при дворе монархов крупных европейских стран. Готическое искусство этого типа имела свои особенности в каждой стране, что должно бы позволять искусствоведам без труда понять, к какой стране принадлежит конкретное полотно. Но это не так. По причине активного культурного обмена и сети династических браков, из-за которых культурные особенности растекались по всему континенту, очень трудно точно установить, из какой страны был художник или где была написана картина, если отсутствует подпись автора.

Еще одна причина сложностей идентификации – работа художников на заказ. По этой причине француз мог писать полотна для итальянского, испанского двора, его работы могли быть подарены, а из-за этого образовывалась еще большая культурная путаница.

Тематикой ранних произведений в готическом стиле была религия, библейские сюжеты. Интернациональное направление отходит от этой готической догмы. Период развитого Средневековья характеризуется появлением работ на светскую тематику – их заказывают представители дворянства для декорирования интерьера.

Читайте также: